在最新系列中，Prada再度从艺术中汲取灵感，却并非把画作简单搬到服装上。Miuccia Prada与Raf Simons从色彩、构图、线条以及每件作品独有的气质出发，再将这些元素转译进系列之中。
这一点在半裙上尤其明显。一件单品，足以容纳截然不同的艺术语汇。
Anne Truitt，《Damask》，1980年
美国艺术家Anne Truitt以极简主义的垂直造型与精准的色彩运用闻名。在《Damask》中，一座纤长的结构被切分为深浅对比的绿色。
Prada将相同的逻辑放进一条白色半裙：一侧垂落着一块修长的绿色拼片。没有直接印上作品，也无意复刻原作，而是让它的比例与色彩成为服装结构的一部分。
Kazuo Shiraga，《Chijikusei Gotenrai》，1961年
到了Kazuo Shiraga，画面明显更具攻击性。这位与具体派关系密切的日本艺术家将绘画视为一种身体行动，并以双脚作画而著称。
他笔下红、黑、白交织的动作痕迹，化作Prada半裙上近乎失序的绘画表面。被保留下来的是原作的能量：不规则的线条、飞溅的色块与强烈的动势。面料随身体摆动，构图也随之多出一层变化。
Mark Rothko，《No. 2 (Blue, Red and Green)》，1953年
Rothko凭借大面积的色彩场域，几乎一眼就能辨认。Prada借用了这一原则，将半裙收束为粉色与黑色的色块关系。
依然不必逐字逐句地“引用”画作。色彩之间的关系、它们的尺度和落点，已经足够让人看见两者之间的关联。
Utagawa Kunisada，《Sumidagawa Bairo Shinshi》，1847年
在另一些造型中，Prada转向了完全不同的艺术传统。Utagawa Kunisada的作品将19世纪日本浮世绘木版画带入这场对话：装饰性极强的画面、花卉纹样与细密繁复的构图，都很有辨识度。
系列中，这一灵感落在一条布满细腻花卉图案、带有纵向拼片的半裙上。放在Truitt的极简主义与Shiraga的抽象表达旁边，它显得近乎出人意料；也正因为如此，这样的组合才格外有意思。
Mary Heilmann，《Tehachapi #1》，1979年
从Mary Heilmann身上，Prada提取的是简洁的几何与色彩：粉色背景，一大片黑色区域，元素极少。
放到半裙上，这幅构图几乎不需要额外转译。画作本身就遵循着与时装设计十分接近的原则：色彩、尺度与比例，决定了一切。
Anne Truitt，《Apricacin》，1962年
系列再次回到Truitt，这一次是深色底面中一道鲜明的红橙色纵向条纹。
Prada把同样的想法放在黑色半裙上，以一条沿侧边延伸的对比色条纹回应原作。作品再一次决定了服装的构图，而不是沦为后加上去的装饰。
这正是把这些艺术参照并置观看时最有趣的地方。Prada并没有把系列做成一场复制品展览。一位艺术家提供色彩，另一位带来姿态，还有人贡献几何语言，或是划分画面的方式。来到秀场上，它们都融入了Prada自己的视觉语言。
而Raf Simons的痕迹，或许也正是在这里最为清晰。他与当代艺术的关系，长期以来一直是其时装方法的一部分；但最动人的状态，是灵感来源并不急着自报家门。先让人想看这些衣服，然后才忍不住去追问，它们究竟从何而来。
