最新コレクションでもPradaはアートに目を向けている。ただし、絵画をそのまま服に写し取るのではない。Miuccia PradaとRaf Simonsが取り込むのは、色彩、構図、線、そして作品ごとの固有のムード。それらをコレクションの設計へと置き換えている。
そのアプローチが最もよく表れているのがスカートだ。一着の服の上で、まったく異なる芸術的手法が交差する。
Anne Truitt（アン・トゥルイット）Damask、1980年
アメリカのアーティスト、Anne Truittは、ミニマルな垂直フォルムと緻密な色彩の扱いで知られる。Damaskでは、細長い造形が対照的なグリーンの色面に分割されている。
Pradaはそのロジックを、片側に長いグリーンのパネルを配した白いスカートへと翻訳した。作品を直接プリントしたり、忠実に再現したりはしない。プロポーションと色彩そのものが、服の構造の一部になっている。
Kazuo Shiraga（白髪一雄）Chijikusei Gotenrai、1961年
Kazuo Shiragaの作品に移ると、空気はぐっと激しくなる。具体美術協会と深く結びついたこの日本人アーティストは、絵画を身体的な行為として捉え、足で制作することで広く知られた。
赤、黒、白の奔放な筆致は、Pradaのスカートでは混沌としたペインティングの面となって現れる。残されているのは原作のエネルギーだ。不規則な線、飛沫、動き。身体の上に置かれることで、布の揺れが構図にもう一つの次元を与える。
Mark Rothko（マーク・ロスコ）No. 2 (Blue, Red and Green)、1953年
Rothkoといえば、ひと目でわかる大きな色面。Pradaはこの原理を取り入れ、スカートをピンクとブラックのブロックへと削ぎ落としている。
ここでも、絵画をそのまま引用する必要はない。色同士の関係性、そのスケール、配置だけで、両者のつながりは十分に見えてくる。
Utagawa Kunisada（歌川国貞）Sumidagawa Bairo Shinshi、1847年
一方でPradaは、まったく異なる芸術の伝統にも視線を向ける。Utagawa Kunisadaの作品は、装飾的な画面、花のモチーフ、精緻な構図を通して、19世紀の日本の木版画をこの対話に引き入れる。
コレクションでは、繊細なフラワーパターンと縦のパネルを組み合わせたスカートとしてこの参照が登場する。TruittのミニマリズムやShiragaの抽象表現に並ぶと、ほとんど意外なほどの存在感。その意外性こそが、この組み合わせを面白くしている。
Mary Heilmann（メアリー・ハイルマン）Tehachapi #1、1979年
Mary HeilmannからPradaが拾い上げたのは、シンプルな幾何学と色彩だ。ピンクの背景に大きな黒の面。要素はごくわずか。
スカートにすると、その構図はほとんど翻訳を必要としない。この絵画はもともと、ファッションデザインに近い原理で成り立っている。すべてを決めるのは、色、スケール、プロポーションだ。
Anne Truitt（アン・トゥルイット）Apricacin、1962年
コレクションは再びTruittへ戻る。今度は、鮮やかな赤橙色の縦のラインが走るダークな画面を起点にしている。
Pradaはこの発想を、脇にコントラストの効いたストライプを配した黒いスカートへと移した。ここでも作品は、服の上に載せる装飾ではなく、服そのものの構図を決めている。
こうして並べて見ると、これらの参照がいっそう興味深く映る。Pradaはコレクションを複製画の展覧会にはしない。あるアーティストからは色を、別のアーティストからは身振りを、また別のアーティストからは幾何学や画面の分割方法を得る。ランウェイでは、それらすべてがPrada独自のビジュアル言語の一部になる。
そして、おそらくRaf Simonsの存在が最も色濃く表れるのもここだ。現代アートとの関係は、長く彼のファッションに対する姿勢の一部であり続けてきた。ただ、その参照はすぐに正体を明かさないほうがいい。まず服を見たくなる。そして、その服がどこから来たのかを知りたくなる。
