ファッショントレンド
プラダが首位に返り咲き、セリーヌがトップ10入り。最新Lyst Indexが映すファッションの現在
Pradaが再び首位に返り咲いた。2026年7月から9月を対象とした最新のLyst Indexで、このイタリアンファッションハウスは5ランク上昇し、ChanelとMiu Miuを抜いて1位を獲得。Pradaが同ランキングのトップに立つのは、2023年後半以来となる。今回は前四半期比で需要が55％増加し、鮮やかなカムバックを印象づけた。9月にミラノで発表したショーは新作コレクションを見せるだけでなく、Pradaを再びファッションシーンの中心へと引き戻したようだ。 顔ぶれは変わらないトップ3Chanelは1ランク下げ、Miu Miuも同じく1ランクダウン。両ブランドともトップ3の座を堅守しているが、今期はPradaに首位の座を譲る形となった。Gucciは1つ順位を上げて4位に。対してSaint Laurentは5位へ後退した。Diorはさらに大きく順位を落とし、3ランクダウンの6位となっている。 ただし、こうした変動が特定ブランドへの関心が急に薄れたことを意味するわけではない。Lyst Indexは検索動向、商品ページでのアクション、SNS、そのほかの指標をもとに、デジタル上の需要とブランドの可視性を測定するもの。品質や売上の決定版ランキングというより、その時々にファッション好きの視線がどこへ向いているかを映すスナップショットとして捉えるのがよさそう。Celineが今期屈指の躍進今回のランキングで注目しておきたいブランドがあるとすれば、Celineだ。5ランク上昇して10位に入り、トップ10入りを果たした。Celineのメンズラインへの需要は、前年比62％増となっている。 この勢いの背景には、Michael Riderによる新コレクション、ひと目でわかるブランドの美学、そしてReebokとのコラボレーションがありそうだ。Celine x Reebok Freestyle Loスニーカーは今期の注目アイテムランキングで3位に入り、発売後には完売した。Celineがとりわけ興味深いのは、注目を集めるためにヴィジュアル・アイデンティティを丸ごと刷新する必要がない点。研ぎ澄まされたプロポーション、計算されたスタイリング、一貫したデザイン言語が、すでに明確な視点を形づくっている。そのぶれなさが、きちんと結果につながっているようだ。 Bottega VenetaとChloéも存在感を高めるBottega Venetaは3ランク上昇して11位、Chloéは2ランクアップして9位に。どちらも注目度を伸ばしており、ファッションの話題がトップ3だけに留まらないことを示している。Louise Trotterを迎えたBottega Venetaが、これからのコレクションで美学をどう育てていくのかも見逃せない。一方のChloéはトップ10内での立ち位置を着実に強め、現代のファッションをめぐる会話のなかで、より存在感のあるポジションを取り戻している。 対照的に、The Rowは2ランク下げて14位に。これはブランド全体の魅力が落ちたことを必ずしも示すものではないが、今期のデジタル上での人気は、ほかのブランドの勢いに及ばなかったことがうかがえる。今季、需要を動かしているのはどのアイテム？注目アイテムのランキングを見ると、また別の面白い傾向が浮かび上がる。PradaのWish Silk Duchesse Pouchが検索数498％増で1位に。2位はCOSのTrullo Flap Bag、3位にはCeline x Reebokのスニーカーが続いた。トップ10にはVans Premium Authenticスニーカー、Dries...
プラダが首位に返り咲き、セリーヌがトップ10入り。最新Lyst Indexが映すファッションの現在
Pradaが再び首位に返り咲いた。2026年7月から9月を対象とした最新のLyst Indexで、このイタリアンファッションハウスは5ランク上昇し、ChanelとMiu Miuを抜いて1位を獲得。Pradaが同ランキングのトップに立つ...
Maison Margiela x Gentle Monster：デコンストラクションがパフォーマンスになるとき
Maison MargielaとGentle Monsterは、ありきたりなファッションコラボの枠を軽やかに越えていく。今回の主役は、「脱構築」を軸に据えた4度目のアイウェア・コレクション。ソウルで行われたプレゼンテーションは、それ自体がひとつのパフォーマンスとなり、見慣れたフォルムを解体するという発想に実体を与えた。 パフォーマンスを手がけたのは、振付家兼クリエイティブ・ディレクターのDamien JaletとアーティストのIan McMahon。McMahonが設計した石膏の構造物を壊す場面から始まり、ダンサーたちの動き、オブジェとの関わり、そして光の演出へと展開していった。会場は絶えず姿を変え、構造物は本来のかたちを失い、身体は残された断片と呼応する。破壊は、新たな動きの起点になった。これは、長年Maison Margielaを象徴してきた創造原理である脱構築を、そのまま視覚言語として広げたものだ。ファッションにおける脱構築とは、従来の仕立て方を拒むこと。あえて見せる縫い目、切りっぱなしのエッジ、ずらされたプロポーション、本来なら内側に隠される構造。その考え方を、今回のパフォーマンスでは身体、オブジェ、ステージの建築へと応用している。未完成に見えるアイウェア10月29日に発売されるコレクションは、サングラス43型、オプティカルフレーム25型の全68型。一部には、意図的に歪められ、圧縮されたようにも見えるフレームを採用している。ボリュームを大胆に膨らませたもの、顔の一部を覆うマスクのようなシルエットも印象的だ。レザーのような素材で包まれた、第二の皮膚を思わせる細身の跳ね上げフレームも揃う。 テンプルには、Maison Margielaのシグネチャーである4本の白いステッチを継承。スリムなモデルでは、この見慣れたディテールを再解釈し、ステッチがフレームの縁から浮かんでいるように見せている。ここで重要なのは、脱構築が単なる視覚効果ではないこと。見慣れたアイテムとして認識できる一方で、その輪郭はどこか不安定だ。まるで、完成と破壊のあいだを切り取られたアイウェアのよう。この未完成さこそが、コレクションの核になっている。アイウェアから広がるブランドの世界観ソウルでのパフォーマンスは、キャンペーンの一部にすぎない。映像作家でアーティストのAlex Pragerによるショートフィルムも制作された。変化し続ける世界のなか、ある女性が打ち合わせへと急ぐストーリー。さまざまな登場人物にアイウェアが現れ、ありふれた日常のシーンが少しずつシュールに変わっていく。10月29日には、ソウル、東京、上海、北京、バンコク、クアラルンプール、メルボルン、パリの8都市で限定ポップアップスペースもオープン。不規則なフォルム、未完の構造、対照的な素材使いを通して、コレクションの中心にあるコンセプトを空間へと拡張する。 今回のローンチは、ファッションハウスとアイウェアブランドのコラボレーションが今どうあるべきかを示している。プロダクトを軸に、映像、リアルな空間、パフォーマンスアートが同時進行でひとつの視覚世界を立ち上げる。もちろん中心にあるのはアイウェアだが、惹かれる理由はそのルックスだけではない。ブランドがその周囲に築いた思想まで含めて、手に取りたくなる。
Maison Margiela x Gentle Monster：デコンストラクションがパフォーマンスになるとき
Maison MargielaとGentle Monsterは、ありきたりなファッションコラボの枠を軽やかに越えていく。今回の主役は、「脱構築」を軸に据えた4度目のアイウェア・コレクション。ソウルで行われたプレゼンテーションは、それ自...
ネイビーブルーが今、再び脚光を浴びる理由。
チョコレートブラウン、バーガンディ、そして多彩なグレーが主役だった数シーズンを経て、いま再び親しみのあるカラーが勢いを増している。ビジネスワードローブや軍服、端正なテーラリングを思わせるネイビーブルーが、2026年秋の注目色のひとつになりつつある。Lystが発表した2026年9月の秋冬ファッション予測によると、ネイビーブルーへの需要は前月比18％増。アウターではさらに顕著で、ネイビーのジャケットへの関心は328％、ロング丈のネイビーコートは189％伸びている。 この流れはすでにランウェイにも表れている。2026年秋冬、Celineは濃紺の構築的なウールジャケットを発表し、Gucciはレザーのテーラリングでネイビーを提案。Isabel Marantはアジア風の留め具をあしらったボンバージャケットでこの色を取り入れ、Victoria BeckhamとHermèsはコートコレクションにネイビーを織り込んだ。興味深いのは、ネイビーが持つ伝統的なイメージと、現在のファッションの方向性との対比だ。Lystの秋の全体予測では、誇張されたシルエット、意外性のあるカラーコンビネーション、そしてマキシマリズムへの再びの熱量が示されている。その一方で、消費者はワードローブのなかでもとりわけ定番的な色に惹かれている。 ネイビーの魅力のひとつは、その懐の深さにある。ブラックと同じくらい実用的でありながら、どこか威圧的になりすぎない。グレー、クリーム、ブラウン、バーガンディと自然になじみ、ひねりのあるスタイリングの土台にもなる。仕立てのよいテーラリングでは凛とした存在感を放ち、オーバーサイズのアウターなら肩の力が抜けた印象へと変わる。心理的な側面も見逃せない。ブルーは長く、信頼感、誠実さ、安定感と結びつけられてきた色だ。制服やビジネスウェア、フォーマルな装いに使われてきた歴史が、こうしたイメージを世代を超えて強めている。経済の先行きが読みにくく、政治的な緊張もあり、デジタル情報に絶えずさらされる時代。見慣れた、頼れる美意識に安心を覚えるのは自然なことだろう。服そのものが現実の安定をもたらすわけではないけれど、視覚的な秩序や連続性を感じさせてくれることはある。 とはいえ、ネイビーのコートを買う人すべてが心の安定を求めている、と考えるのは単純すぎる。Lystの数値が示すのは購買への関心であって、その背後にある心理までは測れない。季節ごとの需要、ランウェイでの露出、手持ちのワードローブとの合わせやすさも、同じくらい有力な理由だ。ネイビーの再来でいちばん面白いのは、色そのものはほとんど変わっていないこと。変化したのは、ファッション業界がこの色に向ける視線だ。常に次の新しさを追い求める市場では、ネイビーのコートのような見慣れた一着でさえ、ふいに新鮮に映る。
ネイビーブルーが今、再び脚光を浴びる理由。
チョコレートブラウン、バーガンディ、そして多彩なグレーが主役だった数シーズンを経て、いま再び親しみのあるカラーが勢いを増している。ビジネスワードローブや軍服、端正なテーラリングを思わせるネイビーブルーが、2026年秋の注目色のひとつに...
ディオールの95ユーロのリップバームが示す、ラグジュアリーブランドの「商品をマーケティングに変える」手法
スマートフォンに取り付けるリップバームと聞くと、また一つ不要なラグジュアリー小物が増えたように思えるかもしれません。けれど、Diorの最新ビューティーローンチには、現代のブランドが製品そのものを超えて価値を生み出す方法を考えるヒントがあります。価格は95ユーロ。Dior Médaillon Lip Balmは、スマートフォンに装着できるゴールドトーンのケースに収められています。リップバームとしての役割はおなじみでも、その存在の見せ方はまったく違います。バッグの中で大半の時間を過ごすのではなく、一日を通して手に取り、使い、人目に触れるスマートフォンの一部になるのです。ここから、マーケティングの話がぐっと面白くなります。 見られることの価値ラグジュアリーは昔から、「見えること」に支えられてきました。ひと目でわかるバッグ、モノグラム入りのアクセサリー、印象的なパッケージ。言葉にしなくても、自分とブランドの関係性を伝えられる存在です。Diorはその原理を、もっと小さなアイテムに応用しています。スマートフォンは、個人がもっとも頻繁に使う持ち物の一つ。だからこそ、ブランドを露出させる場所として価値があります。そこに製品を置くことで、購入した瞬間からずっと後まで、目に留まる機会をつくり出せるのです。顧客はアクセサリーを購入し、持ち歩き、その過程でほかの人にブランドを紹介する可能性もあります。手の届く価格帯のラグジュアリー95ユーロという価格も、この戦略の重要な要素です。Diorのファッションコレクションやレザーグッズと比べれば、Médaillon Lip Balmは比較的手に取りやすい買い物です。より高額なカテゴリーほどの金銭的な負担なしに、ラグジュアリーらしい視覚的なコードと高揚感を味わえます。とりわけ若い世代にとって、小さなラグジュアリー購入はメゾンとの最初の接点になり得ます。もちろん、リップバームを買ったすべての人が、いつかDiorのバッグを手にするとは限りません。それでもブランドが「次に検討したい選択肢」の一つとして意識される、もう一つの入り口にはなります。 アテンション・エコノミーのためのデザイン今このアイテムがとりわけ時代に合って見えるのにも、理由があります。ファッションとビューティーはいま、注目を奪い合っています。ちょっと意外性のあるアイテムが、大規模な広告キャンペーンに匹敵するほど話題を生む環境で。Médaillon Lip Balmには、この環境に向く要素がいくつもあります。意表を突くフォーマット、ひと目でわかるブランド性、飾りたくなるルックス、そして語りたくなる価格。デザインが好きでシェアする人もいれば、実用性に疑問を持つ人、少しやりすぎではと感じる人もいるでしょう。いずれにしても、この製品は人々に話すきっかけを与えます。その注目は、やりとりのたびに広告費を追加しなくても、自然な露出へとつながっていきます。マーケティングが製品の一部になるとき10月14日付のメディア報道によると、掲載時点でこのリップバームは完売していたそうです。在庫数や総販売数が明らかでない以上、その商業的な規模を評価するのは難しいところです。それでも今回のローンチは、大量販売を主目的とする製品と、ブランド全体のポジショニングにも寄与する製品との重要な違いを示しています。Diorにとって、比較的手頃なビューティーアクセサリーは一度に複数の目的を担えます。新規顧客を惹きつけ、日常でのブランド露出を増やし、SNSでの話題を生み、幅広いラインナップへの憧れをさらに強めること。興味深いのは、95ユーロのリップバームにその価格の価値があるかどうかではありません。顧客が自ら買いたいと思うアイテムから、Diorがどれほどのマーケティング価値を生み出せるかです。日常会話の一部になるために、ブランドが莫大な予算を投じる市場で、人々が自発的に持ち歩き、シェアしたくなるものをつくる。これはかなり説得力のある戦略です。
ディオールの95ユーロのリップバームが示す、ラグジュアリーブランドの「商品をマーケティングに変える」手法
スマートフォンに取り付けるリップバームと聞くと、また一つ不要なラグジュアリー小物が増えたように思えるかもしれません。けれど、Diorの最新ビューティーローンチには、現代のブランドが製品そのものを超えて価値を生み出す方法を考えるヒントが...
パリ・ファッションウィーク SS27：Vol. 2
感傷的な別れや物議を醸したアーカイブの再解釈を経て、パリ・ファッションウィークはデザイナーたちがより自由に実験できるコレクションへと進んだ。シュルレアリスム、スポーツウェア、誇張されたプロポーション、そしてクラシックなワードローブを捉え直す試みが、今回のレビュー後半を彩った。 SchiaparelliDaniel Roseberryは、構築性とやわらかさのコントラストを軸にコレクションを組み立てた。レザーとリネンのラッフルはElsa Schiaparelliの歴史あるアトリエのカーテンを思わせ、鮮やかな色彩と野菜をモチーフにした刺繍には、彼女が愛した遊び心が映る。とりわけ印象的だったのは、クラシックな黒のカクテルドレスに着想を得た、いわゆる「リベンジドレス」。フェミニニティと内なる強さの緊張感こそ、今のSchiaparelliらしさだ。 LoeweJack McColloughとLazaro Hernandezは、型にはまらないフォルムの実験を続けながら、少しずつ全体の完成度を高めている。スクエアなスカート、巻きつけるようなドレス、ウエストをつまんだジャケット、極端なハイウエストのトラウザーズ。そのどれにも、LoeweのJonathan Anderson時代から続く、軽やかな遊び心が残っていた。 コレクションには前向きなムードがあり、新鮮で、視覚的にも目を引いた。これほど力のある仕事が、ブランドにふさわしい注目をまだ十分に集めていないのは惜しい。 Miu MiuMiuccia Pradaは、テニスの美学をMiu Miuらしいエキセントリックさとレトロなムードで再解釈した。スポーツウェアの要素、ひとクセあるアクセサリー、ヴィンテージ調のシルエットが、即席のテニスコートの上で自然に溶け合っていた。 アイロニカルなスタイリングと、本当に着たくなる服のバランスが見事だった。一方で、終盤のドレスだけは全体のコンセプトからやや浮いて見えた。 ChanelMatthieu Blazyは、従来の顧客層を置き去りにすることなく、Chanelに新しい息吹を与え続けている。テーラードスーツやクラシックなシルエットに、カラフルなルック、ミニスカート、ボリュームのあるドレス、存在感のあるアクセサリーが並んだ。 ただし、ワードローブの保守的な側面、とりわけツイードドレスは、デザイナーにとってまだやや弱い領域に見える。それでも新生Chanelは新鮮で目を奪う。進化していく美学への期待は、ますます高まっている。パリ・ファッションウィークには美しい服が数多く登場したが、すべてが強く記憶に残ったわけではない。いまのデザイナーたちは、アーカイブ、テクノロジー、生産体制にほぼ無限のアクセスを持つ。けれど、それだけで個性のあるコレクションが生まれるわけではない。今季もっとも説得力があったのは、リスクを取り、失敗も恐れず、自分だけの視点をきちんと差し出したショーだった。誰にでも好かれようとするファッションは、めったに本物の感情を呼び起こさない。
パリ・ファッションウィーク SS27：Vol. 2
感傷的な別れや物議を醸したアーカイブの再解釈を経て、パリ・ファッションウィークはデザイナーたちがより自由に実験できるコレクションへと進んだ。シュルレアリスム、スポーツウェア、誇張されたプロポーション、そしてクラシックなワードローブを捉...
パリ・ファッションウィーク SS27：Vol.1
2027年春夏パリ・ファッションウィークは、別れ、アーカイブへのオマージュ、そしてクリエイティブな実験が交差するシーズンとなった。あるファッションハウスが自身のアイデンティティを守り抜こうとする一方で、それを見違えるほど変えていくブランドもある。細部まで目を凝らしたくなるコレクションもあれば、完璧なテーラリングだけではファッションを面白くできないことを改めて感じさせるコレクションもあった。 DiorJonathan Andersonは、前シーズンのメンズウェアで打ち出した柔らかさと軽やかさを引き続き探求している。オーガンザのジャケット、アシンメトリーなドレス、裂いたような裾のスカート、フローラルを思わせるシルエットが、彼ならではの美学をさらに発展させた。 今回は、根本的に新しいものを持ち込むのではなく、アイデアをより着やすく、商業的にも魅力的なかたちへと整えた。現在の大手メゾンに求められるコレクション数を考えれば、この一貫性はむしろ納得できる。 Maison MargielaGlenn Martensは、住まいのリノベーションを最新コレクションの中心テーマに据え、工事現場の混沌をひとつの美学へと変えた。段ボールのコルセット、カーテンで仕立てたドレス、ペンキの跡が残る服、身体に巻きつけた絵画、そしてアクセサリーとして使われた金属製のキッチン用品。 どれも不自然に収まり、布地の下から飛び出し、あるいは意図的に未完成のように見える。だが、その一見した無秩序の奥には、緻密に考え抜かれたデコンストラクションの手法がある。Maison Margielaを、創業者が持っていた実験精神へと近づけるアプローチだ。 Saint LaurentAnthony VaccarelloによるSaint Laurentの黄金時代は、その始まりと同じくらい鮮烈に幕を閉じた。デザイナーは最後に、自身を象徴するシルエットを見つめ直した。誇張したショルダー、ペンシルスカート、深いネックライン、そして空高くそびえるヒール。レザー、ブロケード、ラテックス、シルクはゴールドにきらめき、その後ブラックへと移り変わった。Charlotte Gainsbourgの最後の登場も、ショーにさらなる感情の層を添えた。過去10年のSaint Laurentを定義してきた美学への、美しく力強い別れ。そして今季屈指の瞬間だった。 Dries Van NotenJulian Klausnerは今回も、凝ったプリント、アシンメトリー、異なる重さの素材を組み合わせる巧みさを見せた。とりわけ印象に残ったのは、ヴィンテージ映画のポスターを思わせる香水広告のプリント。豊かな色彩と幾重にも重なるテクスチャーを使いながらも、コレクションは洗練され、フェミニンだった。全身のルックと同じくらい、ひとつひとつのディテールをじっくり見たくなるショーだった。 BalenciagaPierpaolo PiccioliによるBalenciagaでの最後のコレクションは、Cristóbal Balenciagaのアーカイブと、2006年のNicolas Ghesquièreによるシルエットを再び参照した。レース、ペプラム、特徴的なプロポーションは、より抑制の効いた、ほとんど無菌的ともいえる解釈で提示された。しかし、フォルムを単純化するにつれ、本来備わっていた個性の多くが失われていった。Piccioliが残したのは、技術的には完成度が高いものの、感情的な距離を感じさせるコレクションだった。それは彼のメゾンへのアプローチにおける核心的な弱点も露わにしている。慎重すぎれば、どれほど特別なアーカイブへの参照であっても、その人格まで削ぎ落としてしまう。この5つのショーは、メゾンの遺産を尊重することと、その遺産に縛られることの境界線がいかに細いかを示した。馴染みあるコードを自分自身の表現へと変えられたデザイナーもいれば、その先へ進む自信を持てなかった者もいる。Vol. 2では、実験性、商業性、そしてウィメンズウェアの新しいビジョンの間で、自分たちなりの均衡を探るブランドに目を向ける。
パリ・ファッションウィーク SS27：Vol.1
2027年春夏パリ・ファッションウィークは、別れ、アーカイブへのオマージュ、そしてクリエイティブな実験が交差するシーズンとなった。あるファッションハウスが自身のアイデンティティを守り抜こうとする一方で、それを見違えるほど変えていくブラ...
グレン・マーティンスがDieselを去る
6年を経て、Glenn MartensがDieselを去る。少し胸にくるニュースだ。彼の退任は、ブランド史上もっとも痛快で面白い時代の幕引きを意味するのだから。GlennがDieselに加わった当時、ブランドには膨大なアーカイブと誰もが知る名前があった。ただ、再び人々の視線を引きつける理由が必要だったのも事実。数年のうちに、彼はその理由を作り上げた。デニムの混沌、奇抜なキャスティング、ファッションとミームのあいだを行く服、終演後もずっと話題になったショー。Dieselはファッションの会話の中心へと戻ってきた。 この時代を象徴するアイテムといえば、やはり悪名高いベルトスカート。あまりに突飛で、瞬く間にSNSを席巻し、議論を呼び、ファッション感度の高い人たちの手に渡った。Glenn時代のDieselはまさにそんなブランドだった。服を好きになるか、嫌いになるかは別として、無視するのは難しかった。キャンペーンも忘れがたい。クリエイティブ・ディレクターとしてGlennは、いつも大胆で、奇妙で、ときには見ているだけで少し疲れるほどのビジュアルを打ち出した。それでも、ひと目でDieselとわかる。完璧に磨き上げられたファッションイメージがあふれるなかで、そのやり方は効いた。Dieselには再び個性が宿った。 そしてバッグ。なかでも1DRの成功は象徴的だった。欲しいアクセサリーのランキングは、たいていラグジュアリーハウスが独占していたのに、ファッションガールたちが突然Dieselを追いかけ始めた。より手に届きやすい価格帯のブランドにとって、これは大きな出来事だった。1DRは、何倍もの価格がするバッグと同じワードローブにすんなり収まった。 Glennは、ラグジュアリー業界がいまも苦手とすることを理解していた。若い顔を起用し、TikTokに参入し、少し皮肉を効かせても、それだけでは足りない。20代の客層がそもそも商品を買えないなら、その関係はいずれ価格という壁にぶつかる。Dieselはその問題をうまく回避した。憧れを生むほどファッショナブルで、買うことに意味を感じられるほど認知度もありながら、若い顧客が現実的に貯金して手に入れられるアイテムも売っていた。だからこそ、広告のなかだけに存在する若者像ではなく、本物の若いファン層を築くことができた。ショーさえも、その仕掛けの一部になった。ミラノの街じゅうで招待状やルックを探す企画が行われ、街そのものがブランドコミュニケーションの延長になった。Dieselはランウェイの外にも確かに存在していた。それはGlennの在任期間における、最大の強みのひとつだったかもしれない。GlennはこれからもMaison Margielaに残る。一方のDieselには、もっと難しい問いが待っている。クリエイティブ・ディレクターがすでにブランドに第二の人生を与えたあと、次に何をするのか。ひとまずは、次のデニム・カオスを誰が連れてくるのか、見守りたい。
グレン・マーティンスがDieselを去る
6年を経て、Glenn MartensがDieselを去る。少し胸にくるニュースだ。彼の退任は、ブランド史上もっとも痛快で面白い時代の幕引きを意味するのだから。GlennがDieselに加わった当時、ブランドには膨大なアーカイブと誰も...
話題をさらった最新フォトシュート：サンドラ・ブロック、カイリー・ジェンナー、オリヴィア・ロドリゴほか
ファッションフォトグラフィーはようやく、有名人を無地の背景の前に立たせるだけで満足してもらおうとする時代を抜け出したようだ。最近のカバーは、ちゃんと見入ってしまう。フレームの中にいるセレブリティだけが理由ではない。セット、奇妙なライティング、描き込まれた背景、演劇的なムード。そして、撮影を本気で考え抜いた人がいると感じさせる空気があるから。前回ピックアップしたRihanna、Madonna、Kim Kardashian、Olivia Rodrigoに続き、印象の強いビジュアルがまた届いた。今回も語りどころは多い。ほとんどゴシックなおとぎ話の中にいるSandra Bullock、寒色でぼかした美学をまとうKylie Jenner、古い庭園のヒロインのようなOlivia Rodrigo、Pradaを着たSarah Pidgeon、そして紙だけでつくられた服をまとうAnya Taylor-Joy。Interviewに登場したSandra BullockまずはSandra Bullockから。新しいInterviewでの撮影は、メジャー誌のビジュアルに彼女が鮮烈に戻ってきた、と感じさせる。2026年9月号で、撮影はSzilveszter Makó、スタイリングはLisa Jarvis。特集ではJennifer Anistonを相手に、再び公の場に出ること、『Practical Magic 2』、そして長い休止期間のあとの人生について語っている。 ビジュアルは、まさにMakóの世界だ。暗い部屋、描かれたセット、舞台装置の箱をのぞき込むような感覚。黒猫、グリーンの壁、身体を覆うブルーのファーの塊。Sandraは新作映画のプロモーションをしている女優には見えない。古いダークファンタジーの登場人物が、ふとファッション誌に迷い込んだようだ。 しかも、彼女のイメージとの相性がとてもいい。長年、Sandra Bullockは親しみ深く、人間味があり、いかにもアメリカ的なヒロインとして愛されてきた。ここでは彼女を、冷たく奇妙で、少し魔女めいた空間へ置いている。それでも彼女らしさは壊れない。むしろ、より大人でダークな表情を引き出している。再びSzilveszter Makóのレンズに収まったOlivia Rodrigoまた新しい日、また新しいSzilveszter Makóの撮影。今回はVogue Philippinesの2026年9月／10月号に登場したOlivia Rodrigoだ。ここまでくると少し可笑しい。彼のスタイルは、あちこちで見かけるようになってきた。もう少ししたら、写っている本人の顔より先に、背景を見てMakóだと気づいてしまいそう。でも今のところは、まだ美しい。 Oliviaの場合、この美学はSandraのときよりも柔らかく働く。描かれた木々、濃い植物のシルエット、ピンクのドレス、シルバーのルック。少しおとぎ話のようで、少し美術館の展示のようでもある。いつもの意味でのポップスターには見えない。古い挿絵から抜け出し、ヒールを履かされたヒロインのようだ。 Makóにひとつだけ言うなら、どうか少しペースを落としてほしい。美しさも出すぎると、フィルターのように見えてしまうから。ただ、大規模なBauhaus Ballet展を控えているなら、この速度にも事情はありそうだ。Who What WearのKylie JennerWho What...
話題をさらった最新フォトシュート：サンドラ・ブロック、カイリー・ジェンナー、オリヴィア・ロドリゴほか
ファッションフォトグラフィーはようやく、有名人を無地の背景の前に立たせるだけで満足してもらおうとする時代を抜け出したようだ。最近のカバーは、ちゃんと見入ってしまう。フレームの中にいるセレブリティだけが理由ではない。セット、奇妙なライテ...
この夏、みんなが着ていたヴェルサーチのスカート
2026年夏のファッションヒットとして名指しできるスカートがあるとすれば、それはヴェルサーチェの2026年春夏コレクションに登場した、オーバーサイズのポートレートプリントが印象的なホワイトのミディスカートだ。すでにアレクサ・チャン、デュア・リパ、カミーユ・シャリエールをはじめとするファッション業界のインサイダーたちが着用しており、今季を代表するアイテムのひとつとして注目を集めている。 さらに興味深いのは、このスカートがダリオ・ヴィターレによるヴェルサーチェでの最初で最後のプレタポルテコレクションから生まれたという点だ。ヴィターレはドナテッラ・ヴェルサーチェの後を継いで、2025年9月にデビューとなるSS26コレクションを発表し、その数か月後にはメゾンを去った。このスカート自体が、ヴィターレがヴェルサーチェで表現しようとしていた多くの要素を体現している。メゾンおなじみの華やかなコードだけに頼るのではなく、1980年代後半から1990年代のビジュアル言語に立ち返り、それを日常のワードローブにも自然になじむアイテムと組み合わせていた。 鮮やかなブルーのアイメイクが効いた、グラフィカルな白黒のポートレートは、シンプルなミディ丈のシルエットを一瞬で印象的な存在へと変えている。だからこそ、これほど多彩なスタイリングにマッチするのだ。Tシャツ、カーディガン、トラックジャケット、レザーアウター、そしてシンプルなヒールまで、すでにさまざまな着こなしで見られている。スカート自体の存在感が強いので、周りはあえて控えめにまとめるだけで十分。 そして、その対比こそが人気の理由なのかもしれない。今夏、最も話題を集めたヴェルサーチェのアイテムのひとつは、イブニングドレスでも凝ったランウェイルックでもなく、巨大な顔のプリントが入った、潔いほどストレートなミディスカートだった。
この夏、みんなが着ていたヴェルサーチのスカート
2026年夏のファッションヒットとして名指しできるスカートがあるとすれば、それはヴェルサーチェの2026年春夏コレクションに登場した、オーバーサイズのポートレートプリントが印象的なホワイトのミディスカートだ。すでにアレクサ・チャン、デ...
ファッションブランドにこれまで以上にInstagram広告が必要な理由
数年前までは、ファッションブランドがシーズンごとに1本のキャンペーンを撮影し、それをいくつかの動画に編集して、何か月もInstagram広告に使うことができました。ですが今では、そのやり方の効果はかなり薄れています。ニューヨークのハンドバッグブランド Verafied は、以前はInstagram広告をおよそ1か月ごとに更新し、数本の主力動画をローテーションしていました。現在は、毎週新しいクリエイティブを投入しています。 理由はシンプルです。Metaの広告システムが変化したからです。AIモデルが、どの広告がそれぞれのユーザーに最も関連性が高いかをますます判断するようになり、ブランド側には、より幅広いクリエイティブ素材の提供が求められています。バリエーションが多いほど、システムが適切な人に適切なメッセージを、適切なタイミングで届けられる可能性が高まります。同じバッグを買う可能性がほぼ同じ2人でも、反応するコンテンツはまったく違うことがあります。洗練されたキャンペーンムービーに惹かれる人もいれば、スタイリング動画に反応する人もいますし、サイズ感や作り、機能性を見たい人もいます。クリエイティブの多様性そのものが、実質的にターゲティングの一部になりつつあるのです。ファッションはキャンペーンで動き、アルゴリズムは常に新しいコンテンツを求めているファッションはこれまで、コレクション、キャンペーン、キービジュアル、ファッションフィルム、プレスというように、シーズン単位で展開されるのが一般的でした。しかしInstagram広告は今、まったく違うスピードで動いています。1回のキャンペーン撮影だけでは、もう十分ではありません。ブランドは、Reels、商品カット、スタイリング動画、クリエイターコンテンツ、バックステージ素材、商品ディテール、さまざまなフック、そして同じコレクションを軸にした複数フォーマットを用意する必要があります。 ここで新たな課題が生まれます。ブランドの印象を一般的なECのように見せずに、どうやって広告量を大幅に増やすのか、ということです。どのクリエイティブも別々の会社が作ったように見えてしまうなら、量だけ増やしても意味がありません。購買意欲の段階によって、必要なコンテンツは違うブランドを初めて知る人と、すでに購入を検討している人とでは、響くメッセージが異なります。たとえばランジェリーの場合、まだカテゴリを探り始めたばかりのユーザーには、フィット感、素材、正しいスタイルの選び方などを紹介する教育的なReelsのほうが響くかもしれません。一方で、すでにサイトを訪れて特定の商品を見たことがある人には、キャンペーン系や商品訴求型のコンテンツのほうが反応されやすくなります。 購入後に同じセールメッセージを何度も見せるのは、さらに意味が薄くなります。特に、リピート購入の頻度が低い商品ではなおさらです。この段階では、エンタメ性のあるコンテンツ、スタイリング提案、クリエイターコンテンツ、ブランドストーリーが、次の購入意欲が生まれるその時まで、ブランドを記憶に残す役割を果たします。だからこそ、頻度の考え方も正しく理解する必要があります。同じブランドの広告を5種類見るのと、同じ広告を5回見るのとでは、体験はまったく違います。美しいキャンペーンが1本あるだけでは、もう足りないストーリー性のあるコンテンツは、新しいオーディエンスを惹きつけ、ブランドを知ってもらうのに最も効果的です。一方で、キャンペーンや商品訴求のコンテンツは、すでにブランドを知っていて購入に近い人にとって、より重要になります。今のファッションブランドには、その両方が必要であり、さらにそれぞれの多様なバリエーションも求められています。もはや季節ごとにどんなキャンペーンを撮るかだけが重要なのではありません。1つの商品を軸に、いくつの異なる物語を構築できるか、そして一貫したビジュアルアイデンティティをどう保つかも、同じくらい重要です。 Metaは広告をパーソナライズするために、ますます多くのクリエイティブ素材を必要としています。ファッションブランドは、最初に人の目を引いたあのブランドらしさを失わずに、そのボリュームを提供していく必要があります。
ファッションブランドにこれまで以上にInstagram広告が必要な理由
数年前までは、ファッションブランドがシーズンごとに1本のキャンペーンを撮影し、それをいくつかの動画に編集して、何か月もInstagram広告に使うことができました。ですが今では、そのやり方の効果はかなり薄れています。ニューヨークのハン...
ラグジュアリーはもはやあなたにモノを売りたくない。欲しいのは、あなたの時間です
つい最近まで、高級ブランドがバッグや時計、シャンパンボトルを作り、その特別な価値を伝え、あとは購入を待つだけで十分でした。ですが、今はもうそれだけでは足りません。ラグジュアリーは、ワードローブやジュエリーボックス、そしてビューティーの習慣を超えて、もっと広い領域へと静かに広がっています。それは、あなたの余暇です。どこへ旅するか。どこでディナーを楽しむか。どんなスポーツを観るか。どのホテルで目覚めるか。どこで休暇を過ごすのか、そしてブランドにとって理想的には、誰と過ごすのか。だからこそ、今ラグジュアリーで起きている最も興味深い変化のひとつは、新作コレクションとはほとんど関係がありません。新しいラグジュアリーサロンとしてのフォーミュラ12025年、LVMHは10年契約のもと、フォーミュラ1のグローバルパートナーとなりました。ルイ・ヴィトン、TAG Heuer、そしてモエ・ヘネシーもこのパートナーシップの一員となりました。しかし、ただレーストラックの横にロゴを置くだけでは、あまりにも簡単すぎます。 LVMHはフォーミュラ1を取り巻く形で、オーダーメイドのホスピタリティ、特別な施策、限定商品の展開、そしてコンテンツまで含めた、ひとつのエコシステムを築いています。ルイ・ヴィトンはトロフィートランクを手がけ、TAG Heuerは公式計時を担い、モエ・エ・シャンドンは表彰台の儀式そのものの一部になります。フォーミュラ1は、ラグジュアリーにとってほぼ完璧な環境です。スポーツ、旅、セレブリティ、テクノロジー、プライベートパーティー、莫大な富、そして年間を通して富裕層をモナコ、マイアミ、モンツァ、アブダビへと移動させるカレンダーが、ひとつに結びついているからです。LVMHはもはや、誰かがどの時計を買うか決めている瞬間だけを狙っているわけではありません。その人が週末をどう過ごすかを考えている、その瞬間にも存在しているのです。そしてそれは、ずっと価値があります。オリエント急行は、もはや列車の中に収まらないオリエント急行は、この変化をさらにわかりやすく示しています。100年以上もの間、その名は伝説的な鉄道旅行の代名詞として人々の記憶にありました。ですが今では、文字通り海へと飛び出しました。2026年4月、同社はオリエント・エクスプレス・コリシアンを発表しました。全長220メートル、世界最大の帆走ヨットだとされています。船内にはわずか54のスイートのほか、レストラン、バー、シネマ、ライブラリー、プール、そしてゲラン・スパまで備わっています。 それは、今のブランドヘリテージが何を意味するのかを示す、実にわかりやすい例です。オリエント急行は、もはや列車を売っているのではありません。「オリエント急行という旅のスタイル」を売っているのです。鉄道車両、ヨット、ホテル、レストランは、同じ世界観の中にある異なる舞台になります。顧客は、国や移動手段、休暇の形を変えても、同じブランドの現実の中にとどまることができます。次のラグジュアリー戦争は、顧客のカレンダーをめぐって起きるこれが、本質的な変化です。かつてラグジュアリーブランドは、ワードローブのシェアをめぐって競争していました。やがて財布の中身のシェアを競うようになりました。今では、人生そのもののシェアを競っているのです。そのため、ホテル、レストラン、リゾート、ヨット、スポーツ大会、展示会、プライベートクラブは、ブティックと同じくらいラグジュアリーブランドにとって重要になっています。 理屈はシンプルです。顧客がバッグを買うのは、数年に一度かもしれません。でも、旅をし、外食し、展示会を訪れ、スポーツを観戦し、休暇へ出かけることは、絶え間なく続きます。そのひとつひとつの瞬間をブランドがどれだけ占められるかで、ひとつの取引の重要性は大きく変わります。ブランドがここから学ぶべきこともちろん、すべてのブランドに全長220メートルのヨットが必要なわけではありません。マーケティング部門も、どうか安心してください。ですが、この考え方は驚くほど応用しやすいのです。ブランドは、旅そのものをひとつのコミュニケーションチャネルとして捉え、顧客が休暇を過ごす場所に現れることができます。ホテル、レストラン、ウェルネスブランド、文化施設とパートナーシップを結ぶこともできます。職人技、アーカイブ、そして製品の裏側にいる人々を軸にイベントを企画することもできます。さらに、コミュニティ、会員制プログラム、繰り返し参加したくなる文化的フォーマットをつくり、何かを買う予定がないときでも戻ってきたくなる理由を用意することもできます。 そして何よりも大切なのは、すべての接点を「レジで終わったかどうか」だけで測るのをやめることです。なぜなら、次の10年で最も価値あるラグジュアリー顧客は、最も多く買い物をする人ではないかもしれないからです。そのブランドの世界の中で生きることにあまりに慣れすぎて、どこからその世界が始まり、どこで終わるのかさえ気づかなくなっている人なのかもしれません。
ラグジュアリーはもはやあなたにモノを売りたくない。欲しいのは、あなたの時間です
つい最近まで、高級ブランドがバッグや時計、シャンパンボトルを作り、その特別な価値を伝え、あとは購入を待つだけで十分でした。ですが、今はもうそれだけでは足りません。ラグジュアリーは、ワードローブやジュエリーボックス、そしてビューティーの...
ヌードシューズが新たなフットウェアトレンドに
今シーズン、デザイナーたちは再び、フットウェアのあり方を見直しています。メッシュのバレエフラット、透明バッグ、シアー感のある服が台頭した流れの先に、ファッションの波は今、シューズへと到達しました。もはや注目は靴そのものだけではなく、裸足のように見せる“錯覚”をいかに生み出すかへ。こうした新しい方向性は、すでに「ヌード」シューズトレンドとも呼ばれています。考え方はシンプルです。素材の存在感を極力抑え、足のラインを最大限に引き立てるというものです。 この流れをいち早く探ったブランドのひとつが、ニューヨーク発のZellousです。ラテックスを主に手がけることで知られるこのレーベルは、足の甲のほとんどを見せるほど深くカッティングされたパンプスを発表しました。その結果、靴は肌に溶け込むようになじみ、まるでほとんど何も身につけていないかのような印象を生み出します。 Body Amplification Devicesは、このアイデアをさらに先へ進めています。透明なシリコン素材を使ったモデルは、クラシックな靴というよりアートピースのよう。厚みのあるプラットフォーム、ユニークなヒールの形状、そしてほぼ完全に透明な素材が、足そのものをデザインの主役へと押し上げています。 一方で、このトレンドはすでにコンセプチュアルなブランドの枠を超えつつあります。Jimmy Chooも、ローヒールのジェリーサンダルでこの流れに参加しました。透明なプラスチック、鮮やかなカラー、そして2000年代初頭のフットウェアを思わせるシルエットが相まって、このモデルは今季もっとも話題を集めるリリースのひとつに。需要は非常に高く、いくつかのカラーはすぐに完売しました。 透明感のあるフットウェアは、もはやウィメンズウェアだけの話ではないようです。Saint Laurentのメンズウェアショーでは、足がはっきり見える透明なレースアップシューズが披露されました。数シーズン前なら、こうしたデザインはアートプロジェクトのコンセプトのように見えたはずです。ですが今では、もっとも影響力のあるメゾンのコレクションに登場しています。つまり、「ヌード」シューズトレンドは、まだまだ勢いを増しているということです。ここには、いくつかのファッショントレンドが見て取れます。まず、デザイナーたちは透明素材を引き続き取り入れていること。次に、Y2KテイストとPVCフットウェアが力強く復活していること。そして、ファッションとオブジェクトデザインの境界が、ほとんど見えなくなってきていることです。こうしたモデルの人気が高まる一方で、気になるのは履き心地です。プラスチックやシリコンで作られた靴は通気性が低く、暑い季節には熱がこもりやすいことがあります。また、長時間履くと肌をこすってしまう場合もあります。快適さは具体的なモデル、構造、素材によって左右されるため、一概には言えません。そのため、多くの人にとっては、日常使いというより特別なお出かけのための“主役級”シューズとして受け止められています。 この夏は、足そのものが主役級のアクセサリーになっているようです。靴がそれを隠せば隠すほど、新しい美意識にフィットするのです。そして、かつてデザイナーたちがフットウェアをできるだけ目立たせようとしていたのに対し、今はその逆に、靴がほとんど存在しないかのような錯覚を生み出す方向へと進んでいます。
ヌードシューズが新たなフットウェアトレンドに
今シーズン、デザイナーたちは再び、フットウェアのあり方を見直しています。メッシュのバレエフラット、透明バッグ、シアー感のある服が台頭した流れの先に、ファッションの波は今、シューズへと到達しました。もはや注目は靴そのものだけではなく、裸...
小さなバッグはもう終わり？
小さなバッグはもう時代遅れだ、という話題がしっくりくるのは、ファッション欄の中だけ。実際のところ、問題はバッグそのものではありません。問題なのは、それが意味を持っていたライフスタイルのほうなのです。編集者たちはこれをとてもシンプルに説明します。人はスマホに生活のすべてを入れて持ち歩くか、あるいはノートパソコン、充電器、メイクポーチ、水筒が入ったトートを持って歩くかのどちらかだ、と。けれど、それは話の一部にすぎません。 今の人たちは、はっきりとした用途のないものを買うことに、以前よりずっと慎重です。ミドルレンジの価格が10年前のラグジュアリーに近いくらいになっている今、バッグには“働く”ことが求められます。ひとつのコーディネートや、ひとつの夜だけのためでは足りません。いくつものシーンを同時にこなせる必要があるのです。だからこそ、トートや大きめのショッパー、やわらかくて収納力のあるバッグが、今とても理にかなって見えるのです。仕事にも、打ち合わせにも、街歩きにも、旅行にも連れて行けて、必要なものの半分を家に置き忘れたまま、なんて心配をしなくて済む。これはもう単なる実用性の話ではありません。新しいワードローブの基準なのです。 ファッションはこの変化をすぐに取り入れました。ドレスコードはよりゆるやかになり、デニムは夜の装いにも入り込み、日常着が今では大手ブランドのランウェイにも登場しています。シャネルがジーンズを見せるのは、突然“リアルな日常”を発見したからではありません。すでに日常が、お出かけ用ワードローブの一部になっているからです。だからこそ、今の小さなバッグは以前ほど欠かせない存在には見えません。一日を通して持ち歩くものではないからです。ノートパソコンや水筒、書類、そして人が実際に持ち歩くあらゆるものを入れることはできません。必要性というより、気分のためのアイテムなのです。とはいえ、それは小さなバッグが消えたという意味ではありません。 スマホ、カードケース、鍵、リップグロスだけあれば足りる人もいます。あるいは、そもそも大きなバッグを持ちたくない人もいます。そういう人にとっては、小さなバッグは今でも十分に意味があります。問題は、新品のFendi Baguetteを買うのか、それともリセールで見つけるのか、ということ。 なぜなら、今の小さなバッグは必要性よりも欲望に結びついているからです。そして、必要だからではなく欲しいから買うものは、人はより慎重に考えます。だからこそ、このカテゴリーではリセールがとても理にかなって見えるのです。アーカイブのBaguetteやヴィンテージのPrada、Dior Saddleのほうが、はっきりした使い道のない新作の高価なモデルよりも、よほどしっくりくることが多いのです。小さなバッグが終わったわけではありません。終わったのは、人々が実際にそれを持ちたくなる場面の数です。ディナー、パーティー、カクテルナイト、そして手のひら半分ほどのバッグが自然に見える外出の機会が、以前より少なくなっているのです。今では、小さなバッグはもはや定番の買い物ではありません。感情で選ぶアイテムです。まだそれを持つシーンがある人が買うもの。あるいは、自分でそのシーンをつくりたい人が選ぶものなのです。
小さなバッグはもう終わり？
小さなバッグはもう時代遅れだ、という話題がしっくりくるのは、ファッション欄の中だけ。実際のところ、問題はバッグそのものではありません。問題なのは、それが意味を持っていたライフスタイルのほうなのです。編集者たちはこれをとてもシンプルに説...
ブランドはいかにして顧客をアンバサダーへと変えるのか：カスタマージャーニーを新たな視点で見る
今日では、ブランド体験は購入の瞬間をはるかに超えて広がっています。ラグジュアリーブランドにとって、顧客のジャーニーはもはや「見て、好きになって、買う」という単純な流れではありません。あらゆる接点が、ブランドの世界への感情的なつながり、信頼、そして帰属意識を形づくる、より深いプロセスへと進化しています。そのため、ラグジュアリーにおける顧客ジャーニーは、ひとつひとつの体験の連なりとして捉えられるようになっています。ブランドは、関心を引きつけ、興味を維持し、欲求を生み出し、購入を特別なものとして感じさせ、その後も関係を育み続ける必要があります。成功している企業は、顧客と時々接点を持つだけではありません。購入者が少しずつロイヤルな支持者となり、やがてブランドのアンバサダーへと成長していく、完全な環境を築いているのです。 認知：注目を集める最初の段階は、商品と直接触れ合うずっと前から始まっています。ブランドは、中心となるターゲット層だけでなく、その美意識や歴史、文化的背景に惹かれる可能性のある、より広い層にも働きかけます。展覧会、アーカイブ企画、アーティストとのコラボレーション、PR活動、SNS、特別イベントなどは、ブランドの存在感を高めるうえで役立ちます。ただし、重要なのは「見えること」そのものではありません。大切なのは、好奇心をかき立て、ブランドの世界観を最初に感じてもらうことです。 だからこそラグジュアリーブランドは、アーカイブを公開したり、アトリエを見せたり、クラフツマンシップやヘリテージ、創作のプロセスについて語る機会を増やしています。完成品だけでなく、その背景にあるストーリー、ディテール、意味を通してブランドを知ってもらうのです。興味：より深い関与を育てる注目を集めた後は、次にそのつながりを深める必要があります。この段階では、ウェブサイト、SNS、ニュースレター、オフラインイベントは、ただのコミュニケーション手段ではなくなります。それ自体が体験の一部になるのです。ラグジュアリーブランドにとって、ウェブサイトはもはや商品を並べるだけの場ではありません。世界観を伝え、価値観を紹介し、コレクションやサービス、ブランド哲学の細部まで感じさせる必要があります。人は単に商品を見ているのではなく、少しずつ特別なライフスタイルの中へ入っていくのだと感じられることが大切です。 顧客自身が作るコンテンツも重要な役割を果たします。実際の写真、個人的なストーリー、日常の中で語られるブランド名は、信頼にさらなる厚みを加えます。広告キャンペーンの外側でもブランドがどのように存在し、人々のリアルな生活に溶け込んでいるのかを示してくれるからです。欲求：感情的な価値を生み出すラグジュアリーにおける「欲しい」という気持ちは、商品の美しさだけで生まれるものではありません。感情、パーソナライズ、そして特別な価値の感覚によって形づくられます。この段階では、ブランドは「興味深い存在」から「欲しい存在」へと進化しなければなりません。そのためには、顧客ごとの動機を理解することが重要です。ステータスを求める人もいれば、ブランドの歴史に共感する人、クラフツマンシップを重視する人、あるいは商品を自分らしさを映し出す感情的な延長として捉える人もいます。こうした動機を的確に理解できるほど、ブランドはより強い結びつきを築けます。 丁寧な接客、相談対応、心のこもったストーリー、個別のおすすめ、気配りのあるコミュニケーションは、欲求をより具体的なものにします。人はその商品を、何となく買うものではなく、自分のスタイル、価値観、そして自己認識を映し出す存在として見るようになるのです。行動：関心を購入へつなげるラグジュアリー市場では、購入は単なる取引として受け止められません。それは、これまでに形成された期待と感情を確かめるための、ひとつの儀式です。ここではすべてが重要になります。コミュニケーションのトーン、ブティックでの接客、レスポンスの速さ、スタッフの気配り、個別の提案、パッケージ、配送の細部、アフターサポートまで、すべてです。購入体験がブランドの水準と一致していれば、「正しい選択をした」という感覚がいっそう強まります。 顧客はこの段階で、商品だけでなく感情も持ち帰るべきです。その感情こそが、リピート購入、友人への紹介、SNSで体験を共有したいという気持ちにつながることが多いのです。ロイヤルティ：長期的な関係を築く顧客との本当の関係づくりは、購入後に始まります。強いブランドにとって、この瞬間はジャーニーの終わりではありません。むしろ、新しいレベルのつながりが始まるのです。プライベートイベント、マスタークラス、コレクションの先行公開、パーソナルな招待、特別なプログラム、個別対応などは、顧客との関係を保ち続ける助けになります。人は、支払いが終わった後も「見られている」「覚えられている」「大切にされている」と感じられます。 この段階で、購入者はブランドの熱心な支持者へと変わっていきます。時間とともに、自然なかたちでブランドを語り、他の人にすすめ、自分のライフスタイルを通してブランドの価値観を体現するアンバサダーになることもあります。顧客ジャーニーは、もはや直線ではない現代の顧客ジャーニーは、認知から購入までの一直線の流れではありません。人は何年もブランドを追い続け、展覧会に足を運び、コンテンツに触れ、コレクションを見て、ルックを保存し、その後でようやく初めて購入することもあります。あるいは、まず1つの商品を買い、その後でブランドの歴史に深く興味を持つこともあります。最も成功しているブランドは、このことを理解し、個別の接点ではなく、体験全体をつなぐエコシステムを築いています。最初の印象、コンテンツ、サービス、購入、その後のコミュニケーション、そして帰属意識まで、すべての段階が重要です。こうして取引は長期的な関係へと変わります。そして顧客は、単にブランドを買うだけでなく、その世界の一部でありたいと願う存在になっていくのです。
ブランドはいかにして顧客をアンバサダーへと変えるのか：カスタマージャーニーを新たな視点で見る
今日では、ブランド体験は購入の瞬間をはるかに超えて広がっています。ラグジュアリーブランドにとって、顧客のジャーニーはもはや「見て、好きになって、買う」という単純な流れではありません。あらゆる接点が、ブランドの世界への感情的なつながり...
マルタン・マルジェラの個人アーカイブが競売に出される
7月9日、パリで今年すでに最も重要なファッションオークションのひとつと評される催しが開催される。匿名性をクリエイティブな戦略へと変え、解体と再構築をファッションの象徴的な言語のひとつに押し上げたデザイナー、マルタン・マルジェラ。その個人アーカイブが競売にかけられる。 オークションを主催するのはモーリス・オークション。入札が始まる前に一般公開の内覧期間が設けられるが、そのプレビューにもなおマルジェラらしい神秘性が貫かれている。展示会は秘密の場所で行われ、住所は6月になって初めて明かされる予定だ。 出品されるのは、デザイナーのキャリアのさまざまな時期を網羅する150点以上のロット。その中には、象徴的な「Blouse Blanche」、エルメス在籍時代に手がけた作品、アーカイブ資料、私物、そしてこれまで一度も公に展示されたことのないプロトタイプなどが含まれる。 最も興味深い品のひとつは、1988年にさかのぼるマルジェラのデスク用電話機だ。彼は番号をよく忘れてしまうため、電話機本体に自分の電話番号を直接手書きしていたという、実に実用的な工夫が施されている。この回転式電話は、白いペンキで覆われたオブジェクトの初期例のひとつとも考えられており、のちにメゾン・マルジェラを象徴する視覚的なサインのひとつとなる表現の原点でもある。 出品物のひとつに添えられたメモの中で、マルジェラは白という色との関係について語っている。彼は、すでに川久保玲や山本耀司と強く結びついていたグレーのコンクリート調や黒を、意図的に避けたと説明している。白は、自分だけの視覚的な領域を築くための手段となった。 また今回のオークションには、1991年にガリエラ美術館での展覧会後、落書きで覆われた伝説的なタビブーツや、メゾン・マルタン・マルジェラのランウェイショーでモデルの顔を隠すために使われたベールのプロトタイプも含まれる。中には、デザイナー自身の鉛筆による注記が残されたものもある。 マルジェラは現在69歳。2009年にファッション業界を離れて以来、公の場に姿を見せることはほとんどなく、インタビューにもめったに応じず、代わりに芸術活動に専念してきた。その距離感が、彼の作品と個人アーカイブへの関心をいっそう高めている。マルジェラのレガシーへの関心は、今もなお高まり続けている。2024年には、モーリス・オークションが、ピコッツィ家のアーカイブから出品されたアイテムを含む、デザイナーに捧げた別のオークションを開催した。ピコッツィ家は、1988年から1994年までメゾン・マルタン・マルジェラのコレクション制作を担っていたアトリエを所有していた。注目を集めたロットのひとつは、1990年春夏コレクションのグレーのウール・セットアップで、解体されたメンズトラウザーズを再構成したスカートが特徴だった。落札価格は6万5000ユーロだった。このオークションが示す最も興味深い点は、市場の関心が完成された服だけにとどまらなくなっていることだ。スケッチ、プロトタイプ、作業道具、私物までもが、コレクションそのものと同じように高い価値を持つようになっている。かつて舞台裏にあったものが、少しずつ美術館の収蔵品の領域へと移りつつある。
マルタン・マルジェラの個人アーカイブが競売に出される
7月9日、パリで今年すでに最も重要なファッションオークションのひとつと評される催しが開催される。匿名性をクリエイティブな戦略へと変え、解体と再構築をファッションの象徴的な言語のひとつに押し上げたデザイナー、マルタン・マルジェラ。その個...
ディオールと新たな「アクセシビリティ」：ラグジュアリーは、かつて遠ざけた顧客をどう取り戻そうとしているのか
長いあいだ、ラグジュアリー市場では、価格そのものがひとつのメッセージのように機能していました。ただ高い、という意味ではありません。それはステータスの証明であり、参入のふるいであり、「なぜそんなに高いのか」と聞く人には、そもそもあなた向けではないのかもしれない、と静かに告げる方法でもあったのです。けれど、そのゲームにも限界があります。そして今、業界は自ら築いたその壁に、少しずつぶつかり始めています。 ここ数年、市場を動かしてきた大きな原動力のひとつである中国の消費者は、支出にずっと慎重になっています。不動産危機、広がる景気減速、先行きへの不安――こうした要素が、かつて大手ラグジュアリーグループにとってほとんど尽きることのない成長源だった層の行動を変えつつあります。同時に、製造コストは上がり続け、ブランドは利益率を守ろうとし、価格はさらに上昇しています。ですが、顧客はもう、以前と同じ熱量でこの演出に参加してくれるとは限りません。ここからが、実に興味深いところです。ディオールの経営陣は、実質的に市場が以前から語っていたことを認めたようなものです。つまり、業界は価格競争をやりすぎていた、ということ。ラグジュアリーは長いあいだ値上げを続けた結果、ある時点から憧れの象徴ではなく、あからさまに取り繕った欲深さのように見え始めました。もちろん、「はい、少しやりすぎました」と公式に発表するブランドなどありません。製品だけでなく、「自分たちは決して間違えない」という幻想まで売っているシステムにとって、それはあまりにも正直すぎるからです。 だからといって、直接の値下げが行われるわけではありません。ラグジュアリーは、「バッグが何千ユーロも高くなる必要なんて本当はなかった」と認めるより先に、むしろアソートメント全体を戦略的に組み替えるほうを選ぶのです。値上げできたから、という理由だけで、そこまで上がる必要があったわけではない、と認めるよりも。ディオールが選んでいるのは、もっと慎重な道です。心理的に手の届きやすい価格帯の商品を増やし、4,000ユーロ未満のアイテムを拡充し、さらにビューティー事業を強化すること。撤退のようには見えません。むしろ、微調整として位置づけられています。ブランドは「高すぎた」とは言わず、「さまざまな顧客層にもっと近づきたい」と語るのです。とてもラグジュアリーらしく、とても慎重で、そして「身近さ」という言葉は決して使わない。それでも、実際に意味しているのはまさにそこです。なぜなら、問題はもう、単に値段が上がったことだけではないからです。本当の問題は、ブランドに入っていくための“物語”そのものが、消え始めていることです。 かつてラグジュアリーは、階段のようなものでした。若い顧客は、リップスティック、フレグランス、サングラス、小さなレザーアクセサリーから始めて、やがてバッグ、シューズ、プレタポルテへと進んでいくことができました。いきなりブランドの世界へ飛び込むのではなく、少しずつ近づいていく。ディオールのアイテムをひとつ持つだけでも、そこに属している感覚を得られたのです。大きな神話の、ごく小さな断片として。しかし近年、その階段は姿を消しつつあります。ラグジュアリーへの入口が、あまりにも急になってしまったのです。多くのブランドが強引に価格を引き上げた結果、若い顧客はもうその先に道を見いだせません。見えるのは壁です。そして、ここでとても不安を伴う問いが浮かび上がります。次世代が外から眺めることしかできないのだとしたら、ブランドはどうやって未来のロイヤルティを育てればいいのでしょうか。 だからこそ、ビューティーはとても重要なカテゴリーになっています。クリーム、フレグランス、リップ、セラム――こうしたアイテムは、バッグやジャケットが現実的な“憧れ”の範囲を超えてしまっても、ブランドを顧客の日常にとどめておくことができます。ビューティーはラグジュアリーのイメージを壊しませんが、そのイメージを少しだけ密閉しすぎないものにしてくれるのです。数か月分の給料をひとつのアイテムに使う覚悟がまだなくても、その世界の一部でいられる――そう伝える手段なのです。 そして、そこには少し皮肉な味わいがあります。ラグジュアリーは何十年も、距離をつくることで力を築いてきました。けれど今は、その距離感をもっと繊細に調整しなければなりません。あまりに遠い存在になってしまうと、ブランドは憧れではなく抽象概念になってしまうからです。そして、抽象概念は買うのが難しいのです。ディオールが取り戻そうとしているのは、まさに「手の届きそうな夢」という感覚です。マス向けの開放ではなく、民主化でもなく、「みんなのためのラグジュアリー」でもない――そんなことをしたら、イメージにとって危険すぎます。これはもっと繊細なゲームです。特別感は保ちながら、再びいくつかの入口をつくる。顧客に最終到達点ではなく、最初の一歩を与えるのです。 というのも、ラグジュアリーは、すでに一番高いものを買ってくれる人たちだけで成り立っているわけではありません。まだ「欲しい」と思っている人たちによっても支えられています。キャンペーンを見て、ルックを保存し、フレグランスを買い、「見るだけ」と言ってブティックに足を運び、何年もかけてブランドとの感情的なつながりを育て、いつか大きな買い物をするかもしれない人たち。そうした層を失えば、ブランドは美的に老けるのではなく、構造そのものが老いていきます――欲望そのものが生まれる仕組みのほうから。ディオールは、そのことを理解しているように見えます。これは革命ではありませんし、大きな慈善でもありません。美しいパッケージに包まれた、自己防衛モードのラグジュアリーです。ブランドは高価格帯を捨てるわけでも、ステータス性をやめるわけでも、まして文字どおり「手の届く存在」になるわけでもありません。ただ、業界全体がここ数年かけて着実に遠ざけてきた顧客のもとへ、もう一度戻る道を探しているのです。ラグジュアリーには、もう一度夢が必要です。でも今度は、その夢が顧客を相手にした冗談のように感じられないようにしなければなりません。
ディオールと新たな「アクセシビリティ」：ラグジュアリーは、かつて遠ざけた顧客をどう取り戻そうとしているのか
長いあいだ、ラグジュアリー市場では、価格そのものがひとつのメッセージのように機能していました。ただ高い、という意味ではありません。それはステータスの証明であり、参入のふるいであり、「なぜそんなに高いのか」と聞く人には、そもそもあなた向...
スローライフこそ新しいラグジュアリー
ラグジュアリー消費者は、スピードに疲れている。終わりのないドロップ、コラボレーション、TikTokの美学、マイクロトレンド、そして視覚的ノイズが何年も続いた結果、欲望はもはや以前と同じようには機能しなくなっている。常に新しいものがあふれていれば、もはや何も本当に新しく感じられない。あらゆるブランドがバズを狙えば、そのバズ自体が安っぽく見え始める。そんな状況のなか、ラグジュアリー界で最も感度の高いプレイヤーたちは、逆方向へ動き始めている。彼らが売っているのは、終わりのないスクロールから抜け出し、椅子に座って本を開き、チェスを指し、講義に耳を傾け、アルゴリズムの速度ではなく、自分自身の注意のリズムで時間を過ごすこと。その可能性だ。これは新しいステータスの形でもある。急がなくていいだけの余裕を持っていること。 Miu Miuはこの変化を的確に読み取り、リテラリークラブを立ち上げた。これは、書くこと、フェミニズム、欲望、そして女性の経験をめぐる講義、ディスカッション、対話のための場だ。ブランドが何年も、数秒の注目を奪い合ってきた世界で、Miu Miuは突然、ほとんど革命的ともいえるものを提示した。長い対話だ。そして人々は、スニーカーのドロップやマーチのポップアップではなく、講義のために本当に列を作る。それは今、オーディエンスが何を求めているのかをよく物語っている。次のニュースの種ではなく、知的で、ゆっくりしていて、生き生きとした何かに属しているという感覚なのだ。 Saint Laurentも同じ方向へ進んでいるが、そのアプローチはよりダークでシネマティックな視点を通している。パリの空間「Babylone」は、ただのブティックではなく、希少本、レコード、写真、オブジェで満たされた書籍と音楽のストアだ。本質的には、ブランドはファッションの領域から文化のアーカイブへとそのテリトリーを広げている。Anthony Vaccarelloは、人が本を読み、聴き、観て、集め、自分自身の美意識を育てていくような環境を形づくっている。 同時に、ラグジュアリーはますます「スロー」なオブジェクトへと向かっている。HermèsやChanelは、高価な素材で作られたチェスセットを発表している。これは、雑誌の静物写真のための美しい小道具というだけではない。ここでチェスは、新しい欲望の理想的な象徴になる。衝動ではなく戦略、反応ではなく集中、すぐのクリックではなく持続。3秒で消費できないオブジェクトが、突然、ほとんど挑発的に感じられる。興味深いのは、この動きが美学のレベルだけにとどまっていないことだ。パンデミック以降、紙の本への需要は目に見えて伸びており、チェスも、とくに若い世代を中心に新たな人気の波を迎えている。オンラインで育った世代が今、注意、静けさ、そして身体的な存在を必要とするものに、ロマンを見いだし始めているのだ。本、レコード、チェス盤、手書きのメモ、オフラインの講義――こうしたものすべてが、自分のコントロールを取り戻す手段になっている。 そう考えると、新しいラグジュアリーとは、より見えにくい資源へのアクセス、つまり「時間」なのかもしれない。すぐに反応しなくていいこと。常に連絡可能である必要がないこと。コンテンツを立ち止まらずに飲み込まないこと。今の本当のラグジュアリーは、Storiesに投稿するための次のバッグというより、何かを見せるために急ぐ必要のない空間に、より近づいている。そして、おそらくだからこそ、ブランドが示すこうした「スロー」なジェスチャーは、今とても的確に感じられるのだろう。TikTok、ドロップ、情報の雑音という現実を否定しているわけではない。ただ、別のリズムを差し出している。そのリズムのなかで、ラグジュアリーは再び、刺激の数ではなく体験の深さを意味するものになる。もっと消費することではなく、やっと何かを感じることなのだ。
スローライフこそ新しいラグジュアリー
ラグジュアリー消費者は、スピードに疲れている。終わりのないドロップ、コラボレーション、TikTokの美学、マイクロトレンド、そして視覚的ノイズが何年も続いた結果、欲望はもはや以前と同じようには機能しなくなっている。常に新しいものがあふ...
「ワークジャケットのパラドックス：富裕層はいかにして“貧しさ”をスタイルとして着こなすようになったのか」
ワークジャケットはランウェイから始まるのではありません。冷え、重いものを運び、埃を吸い込み、ひとつのシフトを立ち続け、同じ服のまま一日を終えて帰宅する身体から始まります。それはイメージとして生まれたわけではありません。厚手の生地、大きなポケット、まっすぐなシルエット、汚れを目立たせない色。すべてに意味がありました。ポケットは道具を入れるため。厚手のコットンは労働に耐えるため。色あせた袖口はデザインの仕掛けではなく、時間、汗、洗濯、天候、そして身体を使う仕事の積み重ねの結果です。 ファッションは昔から、本来ならファッションが主題であるべきではない場所から来たように見える服に弱さを見せてきました。工房、倉庫、農場、ガレージ、建設現場、ランドリールーム、キッチン、路上、古着屋、安価なワークウェア店。こうしたコードは何度もランウェイに戻ってきますが、そのたびにきれいに整えられ、編集され、再パッケージされています。インスピレーションと文化の盗用を混同してはいけません。問題は、デザイナーがワークジャケットを取り入れてコレクションの中に置くことそのものではありません。問題は、貧困の視覚言語が、その結果から守られている人々にとって娯楽になったときに始まります。擦り切れた生地は冗談のように扱われます。オーバーサイズのシルエットはスタイリングになります。色あせた色はトレンドになります。着古された痕跡は「ソウル」と呼ばれます。一方で、実際の貧困はファッショナブルな空間の中で同じようにロマンティックには扱われません。本当に貧しく見える人が「本物らしい」と読まれることはほとんどありません。彼らがムードボードに載ることもなければ、effortless と呼ばれることもありません。ストリートスナップに撮られるとしても、そこには適切なブランド、適切な皮肉、あるいは適切な顔立ちが必要です。貧困が面白く見え始めるのは、それをコントロールできるときだけです。数時間だけ身につけられるときだけ。値札、ラベル、スタイリスト、プレスリリース、そして返品できるという選択肢が付いてくるときだけです。だからこそ、ワークジャケットは現代ファッションの偽善を象徴する完璧なシンボルなのです。ラグジュアリーを、より無菌的で、より距離があり、露骨に裕福すぎる見え方から少し遠ざけてくれます。しかし、そのジェスチャーはあくまで富のジェスチャーのままです。10年もそれを着て働いた誰かがいたかのように見えるジャケットを買うことができます。人工的にエイジングされたレザー、袖に施されたペイント、擦れた襟、完璧な「不完全さ」も買えます。価格に含まれていない唯一のものは、その質感を生み出すはずだった人生です。ランウェイは何年も前から“労働者階級”を遊んできた最もわかりやすい例のひとつが、Junya Watanabe MAN 2018年春夏です。コレクションはワークウェアのコードを軸に、Carhartt、Levi’s、The North Face といったブランドとのコラボレーションで構成されていました。WWD は、Carhartt が今季の中心的存在で、ジャケット、コート、Tシャツ、トラウザーズ全体に登場したと報じています。https://www.pinterest.com/pin/AeqoFTs1M0kq5qD34oqGk_7v-lcNAD0jjb5w1V9JhLKJuVc9O3JKUHg/渡辺淳弥の手にかかると、それは知的で視覚的にも強いものに見えました。ワークジャケット、パッチワーク、ペイント、厚手の生地、ボクシーなシルエット。しかし、まさにここでラグジュアリーの仕組みが見えてきます。もともとは肉体労働に結びついていた服が、デザイナーの介入によって知的なオブジェクトへと変わるのです。労働者が着る Carhartt と、Junya Watanabe の中にある Carhartt は、たとえ形が似ていても、社会的にはまったく異なる言語を話しています。このテーマは、ラフ・シモンズ x スターリング・ルビー 2014年秋冬で、より直接的に現れました。ここではワークウェアの美学がアーティストのスタジオを通過し、ペイントの染み、生々しい表面、制服のようでもあり、キャンバスのようでもあり、手を使って働く人の服のようでもあるガーメントが生まれました。のちにスターリング・ルビーは、自身の「Work Wear」実践に結びつくライン S.R. STUDIO. LA. CA. を展開し、傷んだ表面、アシッドウォッシュ、手作業の痕跡がデザイン言語の一部となっていきました。 ガリアーノ、ディオール、そして冗談があまりにも露骨になった瞬間この話題でもっとも過激で、ほとんど戯画のような例が、クリスチャン・ディオール オートクチュール 2000年春 by...
「ワークジャケットのパラドックス：富裕層はいかにして“貧しさ”をスタイルとして着こなすようになったのか」
ワークジャケットはランウェイから始まるのではありません。冷え、重いものを運び、埃を吸い込み、ひとつのシフトを立ち続け、同じ服のまま一日を終えて帰宅する身体から始まります。それはイメージとして生まれたわけではありません。厚手の生地、大き...
